Содержание:
Введение
Проторенессанс
Первый из «Титанов» Джотто
Раннее возрождение
Высокое возрождение
Величайшие
Леонардо Да Винчи
Рафаэль Санти
Микеланджело
Заключение.
Список использованной литературы.
Введение
В средние века в Европе происходили бурные перемены в экономической, общественной и религиозной сферах жизни, что не могло не повлечь за собой перемен в искусстве. Во всякое время перемен человек пытается заново переосмыслить окружающий мир, идет мучительный процесс «переоценки всех ценностей», пользуясь крылатым выражением Ф. Ницше.
Эти искания прежде всего и выразительнее всего проявляются в творчестве людей искусства, которые, как тончайшие камертоны, входят в резонанс с зыбким окружающим миром и вплетают симфонию чувств в свои произведения.
Культура Возрождения зародилась в Италии. Хронологически итальянское Возрождение принято делить на 4 этапа: Проторенессанс (Предвозрождение) — вторая половина XIII—XIV вв.; раннее Возрождение — XV в.; Высокое Возрождение — конец XV в. — первая треть XVI в.; позднее Возрождение — конец XVI в.
Проторенессанс являлся подготовкой Возрождения, он был тесно связан со Средневековьем, с романскими, готическими, византийскими традициями. И даже в творчестве художников-новаторов нелегко провести четкую границу, отделяющую старое от нового. Начало новой эпохи связывают с именем Джотто ди Бондоне
(1266 — 1337
).
Художники Возрождения считали его реформатором живописи. Джотто наметил путь, по которому пошло ее развитие: нарастание реалистических моментов, наполнение религиозных форм светским содержанием, постепенный переход от плоскостных изображений к объемным и рельефным.
Соединение ученого и художника в одном лице, в одной творческой личности было возможно в эпоху Ренессанса и станет невозможным позднее. Мастеров Возрождения часто называют «титанами», имея в виду их универсальность.
Проторенессанс
Для искусства Проторенессанса характерно появление тенденций к чувственному, наглядному отражению реальности, светскость (в отличие от искусства Средневековья), появление интереса к античному наследию (свойственного искусству эпохи Возрождения.
Социальными предпосылками в 1200-е (дученто) явились развитие ремесел и торговли, экономические реформы в свободных итальянских городах (особенно в Тоскани).
Появление признаков Проторенессанса некоторые исследователи усматривают в архитектуре 11-13 вв. Тоскании, где использовалась полихромная облицовка мрамором в сочетании с тонкими члененими стен и античные архитектурные детали, что позволило облегчить тяжеловесность архитектуры свойственную романскому стилю.
Для архитектуры Проторенессанса характерны уравновешенность и спокойствие. Представитель: Арнольфо ди Камбио.
Для скульптуры этого периода характерны пластическая мощь и наличие влияния позднеантичного искусства. Представитель: Никколо Пизано.
Для живописи характерно появление осязательности и материальной убедительности форм. Представители: Пьетро Каваллини (Рим); Джотто (Флоренция).
Ярким представителем литературы этого периода является Данте Алигьери. К этому же периоду относится поэзия школы «дольче стиль нуово». Для литературы характерно чувственное усиление, реалистичность образов.
Традиции искусства Проторенессанаса были восприняты такими художниками Возрождения, как Брунеллески, Донателло, Мазаччо.
Первый из титанов - Джотто.
Джо́тто ди Бондо́не или просто Джо́тто (итал. Giotto di Bondone) — итальянский художник и архитектор эпохи Возрождения.
ДЖОТТО ДИ БОНДОНЕ (Giotto di Bondone) (1266 или 1267-1337), итальянский живописец. Представитель Проторенессанса. Порвав со средневековыми канонами, внес в религиозные сцены земное начало, изображая евангельские легенды с небывалой жизненной убедительностью. Фрески капеллы дель Арена в Падуе (1305-1308) и церкви Санта-Кроче во Флоренции (ок. 1320-25) поражают внутренней силой и величием образов, тектоничностью композиции. Автор проекта колокольни собора во Флоренции.
ДЖОТТО ди Бондоне (Giotto di Bondone) (1266/1267, Колле да Веспиньяно, Тоскана — 8 января 1337, Флоренция), итальянский живописец, мастер флорентийской школы. Имя художника, видимо, является производным от Амброджотто (Амброджо) или Анджолотто (Анджело).
Согласно источникам 14 в. учился у Чимабуэ. Работал во Флоренции, Риме (ок. 1300), Падуе (ок. 1305-08), Неаполе (ок. 1328-33), Милане (ок. 1335-36) и других городах Италии. В 1327 вместе со своими учениками записался в цех флорентийских живописцев. В 1334 был назначен руководителем строительства флорентийского собора и его колокольни (кампанилы; к моменту его смерти был возведен ее первый ярус).
Реформатор итальянской живописи, Джотто открыл новый этап в истории живописи всей Европы и явился предтечей искусства Возрождения. Его историческое место определяется преодолением средневековых итало-византийских традиций. Джотто создал облик мира, адекватный реальному по своим основным свойствам — материальности и пространственной протяженности. Использовав ряд известных в его время приемов — угловые ракурсы, упрощенную, т. н. античную, перспективу, он сообщил сценическому пространству иллюзию глубины, ясность и четкость структуры. Одновременно он разработал приемы тональной светотеневой моделировки форм при помощи постепенного высветления основного, насыщенного красочного тона, что позволило придать формам почти скульптурную объемность и в то же время сохранить сияющую чистоту цвета, его декоративные функции.
Капелла дель Арена
В творческом наследии Джотто центральное место занимают росписи капеллы дель Арена в Падуе (ок. 1305-08) — однонефной церкви, построенной, видимо, по его же проекту. Этот обширный фресковый цикл включает в себя роспись коробового свода, уподобленного синей небесной тверди с золотыми звездами и заключенными в медальоны изображениями Христа, Марии и пророков, композицию «Страшный суд» на западной стене, тридцать четыре сцены из жизни Марии и Христа, расположенные в три ряда на длинных боковых стенах и т. н. «триумфальной арке» алтаря. Именно эти сцены определяют характер росписей капеллы. Строгая упорядоченность их расположения организует всю ритмику интерьера, построенное на насыщенных красочных тонах цветовое решение сообщает всему ансамблю праздничный характер. Земная жизнь Марии и Христа предстает в этих композициях как связанные неторопливым ритмом повествования этапы патриархального, эпически-величественного бытия. Джотто очень скупо обозначает приметы изображаемого им мира условными скалистыми горками, светлыми зданиями, густой ультрамариновой синевой неба. Но самым замечательным открытием Джотто являются его персонажи — коренастые, широколицые, наделенные величавым обликом, облаченные в одежды и плащи простого покроя из тяжелых, однотонных тканей, задрапированных в крупные складки.
Капеллы Барди и Перуцци
Дальнейшую эволюцию творчества Джотто представляют пострадавшие от времени росписи небольших семейных капелл Барди и Перуцци на хорах флорентийской церкви Санта Кроче (ок. 1320-25). Живописная декорация каждой капеллы включает шесть сцен, расположенных на боковых стенах по три друг над другом и решенных более сложно, чем в капелле дель Арена. Возрастает роль архитектурного фона, ограничивающего и четко формирующего сценическое пространство, сами постройки становятся более многообразными, приобретают сходство с реальной архитектурой эпохи Джотто. В многофигурных сценах появляется больше подробностей и повествовательных моментов, наконец, Джотто интересуют сложные пространственные и оптические эффекты. Так, в росписях капеллы Перуцци, посвященных Иоанну Крестителю и Иоанну Богослову, Джотто изображает архитектурную декорацию в угловом ракурсе, соответствующем точке зрения зрителя, стоящего у входа в капеллу.
Единственная дошедшая до нас станковая работа Джотто — монументальный алтарный образ «Мадонна на троне» («Мадонна Оньисанти», Уффици, ок. 1310). Восходящая к 14 в. традиция связывала с именем Джотто обширный живописный цикл «История св. Франциска» в базилике Сан Франческо в Ассизи (ок.1297-99), однако многие современные исследователи отвергают авторство Джотто. Среди не дошедших до нас работ Джотто источники называют большую мозаичную композицию «Навичелла» на фасаде римской раннехристианской базилики св. Петра, снесенной в начале 16 в., живописные циклы «Знаменитые люди», выполненные для короля Неаполя Роберта и правителя Милана Аццоне Висконти.
Джотто оказал влияние на формирование ведущих школ итальянской живописи 14 в., прежде всего флорентийской, а также на ряд мастеров, работавших в Сиене и Падуе. К его наследию неоднократно обращались мастера итальянского Возрождения от Мазаччо до Микеланджело.
В живописи Джотто мы сразу замечаем следы от иконописи - неподвижность, плоскостность, одухотворенность фигур, что совмещается и преодолевается трехмерным пространством и объемностью тел, с тем проступает сама реальность, можно сказать, идея реальности, как сцена, на которой действующие лица выступают и как зрители. Возникает «картина как зрелище», что предполагает интерес и эстетическое удовлетворение. А зрелищное начало вообще характерно для Ренессанса.
Раннее возрождение.
Но пройдет еще почти целое столетие, когда под средневековой оболочкой мысли проявившийся гуманизм в жизни и творчестве Петрарки и Боккаччо (XIV век) оформится как эстетика и искусство раннего Ренессанса в XV веке. Если бы Италия была единым государством с идеологией, в которой, кроме религии, доминировала бы византийская иконопись, как на Руси, Возрождение могло бы не вызреть и в стране классического Ренессанса.
Гуманизм и эстетика Ренессанса взаимосвязаны как философские основы нового миросозерцания и искусства. В начале XV века в Италии сильная и свободная человеческая индивидуальность выдвигается на первый план, и это как в сфере жизнетворчества, так и творчества. При этом человеческая личность воспринимается «физически, телесно, объемно и трехмерно», как и среда ее обитания.
Здесь новизна мироощущения человека Возрождения, который открывает себя и мир, обозревая всю человеческую культуру и мироздание в целом. Это также и есть феномен Новой Жизни. Ветхозаветные, да и новозаветные представления о человеке спадают, как ветошь, с тем возникает чувство обновления, возвращения молодости, даже юности с ее беззаботностью и свободой, с культом жизни и красоты.
Это самая привлекательная, притягательная сторона ренессансной личности и ренессансного искусства, под воздействие которой подпадают все, нередко забывая о трагических сторонах эпохи Возрождения.
Новые проявления в жизни и искусстве впервые мы замечаем у зачинателей раннего Ренессанса Брунеллески (1377-1446), Донателло (1386-1466), Мазаччо (1401-ок.1428), представителей флорентийской школы художников. Но пройдет еще почти целое столетие, когда под средневековой оболочкой мысли проявившийся гуманизм в жизни и творчестве Петрарки и Боккаччо (XIV век) оформится как эстетика и искусство раннего Ренессанса в XV веке. Донателло, выходец из народа, обретший мастерство в готических мастерских, был другом Брунеллески. Самое удивительное, он не воспринимал греко-римскую классическую древность, как нечто утраченное и вновь обретенное, а как неотъемлемое флорентийское достояние, вечно живое в сознании народа.
Здесь достаточно упомянуть общеизвестного «Давида», изображенного обнаженным, что не вяжется с ветхозаветной легендой, скорее проступает классическая традиция, но в новом ключе. Перед нами молодой человек с огромным мечом и в весьма возбужденном состоянии, что соответствует событию, ведь он только что одержал великую победу. Ко всему на голове Давида крестьянская или пастушеская шляпа, в которой, возможно, ходил сам скульптор или его модель. Сближение времен вообще характерно для эпохи Возрождения.
Высокое возрождение
Высокое Возрождение пришлось на время опустошительных Итальянских войн (1494-1559), когда Апеннинский полуостров стал ареной борьбы Франции с Испанией и Империей за овладение Неаполитанским королевством и Миланским герцогством. В эти войны были вовлечены многие итальянские государства, преследовавшие и свои собственные политические и территориальные цели. Войны нанесли серьезный ущерб экономике страны, терявшей к тому же свои позиции на внешних рынках, что было связано с перемещением мировых торговых путей в результате великих географических открытий и турецких завоеваний в Восточном Средиземноморье. Окончание Итальянских войн оказалось политически крайне неблагоприятным для страны, поскольку Испания закрепила свою власть над Неаполитанским королевством и утвердила свое господство в Миланском герцогстве и ряде мелких территорий, но оно создало условия для экономического подъема в Италии во второй половине столетия. Этические ценности, распространенные в торгово-предпринимательских слоях, рационализм и принципы честного накопительства, идеи гражданственности и патриотизма уступали место дворянской морали, ценившей родовитость, фамильную честь, воинские доблести и верность сеньору. Важное значение получил и культ куртуазное. В эпоху Контрреформации и католической реакции, резко усилившейся в последние десятилетия XVI в., с новой энергией и разнообразными методами насаждались принципы традиционной церковной морали и благочестия, причем верность ортодоксии рассматривалась как нравственный постулат.
«Величайшие»
Первые три десятилетия культурного развития Италии в XVI в. на редкость богаты яркими талантами. Это время теснейшего взаимодействия различных сфер художественного и интеллектуального творчества на основе упрочившейся общности новых мировоззренческих позиций, а разных видов искусства - на основе новой, ставшей единой для всего их ансамбля стилистики. Культура Возрождения обрела в эту пору небывалую мощь и широкое признание в итальянском обществе, активно воздействуя на весь ход процессов культурного развития страны. В немалой степени этому способствовали успехи гуманизма, достигнутые к концу XV в. Гуманистический идеал свободной и гармонической личности, обладающей безграничными возможностями познания мира и созидательной деятельности, в пору Высокого Возрождения был с особой наглядностью воплощен в изобразительном искусстве и литературе, нашел новое осмысление в философской и политической мысли. Тогда же обрела зрелые формы и ренессансная эстетика, которая складывалась преимущественно на неоплатонической основе, но испытала также влияние поэтики Аристотеля. Эстетика обогащалась новыми идеями, рождавшимися в творчестве великих мастеров - Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело, в сочинениях Бембо, Кастильоне, других писателей, в многочисленных философских трактатах о любви. Идеалы красоты и гармонии всесторонне осмыслялись и даже становились своеобразной нормой, воздействовавшей на самые разные виды творческой деятельности: внутренняя гармония и совершенство формы произведений стали характерной приметой эпохи. Близость эстетических подходов и художественного стиля, достигшего классических черт и выразительности, создавала определенное единство искусства и литературы, игравших ведущую роль в культуре Высокого Возрождения.
Леонардо да Винчи
«Небесным произволением на человеческие существа воочию проливаются величайшие дары, зачастую естественным порядком, а порой и сверхъестественным; тогда в одном существе дивно соединяются красота, изящество и дарование, так что к чему бы ни обратился подобный человек, каждое его действие носит печать божественности, и, оставляя позади себя всех прочих людей, он обнаруживает то, что в нем действительно есть, то есть дар божий, а не достижения искусства человеческого».
Так начинает жизнеописание Леонардо да Винчи (1452-1519), живописца и скульптора флорентийского, Джорджо Вазари, подхватывая, по сути, легенду, созданную в большей степени самим художником.
Леонардо был незаконнорожденным сыном флорентийского нотариуса из городка Винчи и левшой. Среди его многочисленных записей и автобиографического характера нет воспоминаний о детстве. А ведь он покинул городок Винчи лет 16, довольно поздно, отданный отцом для обучения в мастерскую Андреа дель Верроккьо, где остается продолжительное время, хотя проявил он успехи и в ваянии, и в живописи весьма заметные, - вся эта пора, до 30-ти лет, когда Лоренцо Медичи обратил внимание на молодого музыканта, изобретателя чудесной лютни в форме лошадиного черепа, и отправил его в Милан, покрыто тайной неведомого миру созревания универсального гения.
Похоже, Леонардо был в громадной степени самоучкой, которого во Флоренции не воспринимали всерьез. Отъезд в Милан в 1482 году, по всему, явился для Леонардо знаменательной вехой в его жизни: ученические годы позади, он обрел свободу, - отныне он будет жить, как хочет, тем более что природа наделила его всем - физической красотой, изумительной силой, грацией и всеми дарованиями, какие только мыслимы, начиная с игры на лютне и пения, что при дворе герцога Миланского было оценено, разумеется, прежде всего.
Среди ранних работ Леонардо выделяется «Портрет Джиневры Бенчи» (1474-1476). Сохранилась лишь верхняя часть портрета, с удивительным пейзажем. Известно, Джиневра 15 января 1474 года вышла замуж, возможно, заказ портрета был приурочен к свадьбе, но работа Леонардо, по его обыкновению, могла продолжаться еще долго. На портрете мы видим отнюдь не девушку семнадцати лет, невесту, а молодую женщину, чем-то потрясенную, с неподвижным взглядом и сжатыми губами на фоне символического пейзажа.
«Портрет Джиневры Бенчи» - один из шедевров Леонардо да Винчи, полный сокровенного и даже священного смысла. А рядом «Мадонна Бенуа» («Мадонна с цветком») (ок.1478-1480), казалось бы, на священный сюжет, с нимбами над головой матери и ребенка, которые всецело заняты цветком.
Можно утверждать, что не «Мона Лиза», ведь она не достаточно красива и не достаточно таинственна, а «Мадонна Литта» (ок.1483-1485), созданная в Милане, - высшее создание Леонардо да Винчи. Это ренессансная классика в чистом виде.
Женский тип лица, присущий образам Леонардо, помимо портретов, здесь схвачен в идеальной форме. Ничего лишнего. Ребенок припал губами и рукой к груди матери, а глаз его устремлен к зрителю, которого не замечает молодая мать, она задумалась, глядя на сына. Красное платье и голубая накидка, гармонирующая с высоким небом в проемах двух окон, - самодовлеющая красота земной женщины и именно женщины эпохи Возрождения.
«Мадонна Литта» - картина получила свое название от ее владельца, маркиза Литта из Милана.
Леонардо, в отличие от Боттичелли и Микеланджело, словно не заметил Платоновской академии во Флоренции, что говорит, конечно же, не об его невежестве, а самостоятельности его мысли. Для неоплатоников смерть означает освобождение души из темницы тела и возвращение ее на родину, что вполне соответствует христианскому вероучению; у Леонардо, напротив, смерть означает избавление и возвращение на родину элементов, которые освобождаются, когда душа перестает связывать их воедино.
У Леонардо все перевернуто: элементы оказываются носителями жизни, как у античных натурфилософов, а душа их запирает в человеческом теле. Но душа - активное начало, в самом деле, она подчиняет элементы, то есть материю, и от видимого материализма ничего не остается.
Таким образом, мы находим у Леонардо ту же личностно-материальную эстетику, как у Боттичелли или Микеланджело, но с выступлением на первый план именно материального момента, иными словами, у него личность является функцией материи, даже и пространства, как находит Алексей Лосев. И такой взгляд в исторической перспективе кажется более продуктивным.
Больше десяти лет провел в Милане Леонардо, занимаясь всем, что обещал герцогу Миланскому, пока не получил заказ исполнить на стене трапезной миланского монастыря Санта-Мария делле Грацие фреску «Тайная вечеря» (1495-1497). То, что он не успел осуществить в динамичном замысле «Поклонения волхвов», теперь находит уникальный сюжет для изображения движения, но уже не внешнего, а внутреннего, движения души.
«Тайная вечеря» Леонардо в ее первозданном виде светилась красками и ясной простотой большого классического стиля Высокого Ренессанса, что проступит вскоре и в созданиях Микеланджело и Рафаэля в Риме. Среди первых зрителей был математик Лука Пачоли, друг Леонардо, автор труда «О божественной пропорции», он писал в 1498 году: «Образ Спасителя исполнен со страстью и вдохновенно. И невозможно представить себе апостолов более внимательными, когда они услышали страшную правду Его слов: «Один из вас предаст меня». Их позы и жесты показывают, с каким искренним удивлением, полным горя, они разговаривают. Так прекрасно, своею искусной рукой, изобразил это наш Леонардо».
Рафаэль Санти
Рафаэль (1483-1520) из Урбино, или Рафаэль Урбинский, как его называли, будто имя его титул, князя живописи, родился и рос в Умбрии, даже в названии местности заключающей в себе нечто поэтическое. В годы юности Рафаэля Урбино уже пережил краткий период расцвета, но еще в 1507 году при дворе герцога Урбинского собиралась художественная элита со всей Италии, там служил граф Бальдассаре Кастильоне и время бесед в его знаменитой книге «О придворном» он относит к четырем мартовским вечерам 1507 года. Рафаэль покинул Урбино в 1504 году и поселился во Флоренции, которая к тому времени давно была высшей художественной школой Италии.
Удивительны уже первые его картины, созданные еще в Умбрии, - «Мадонна Конестабиле» и «Обручение Марии».
«Мадонна Конестабиле» - Она маленькая и могла бы казаться иконой, если бы не фон - природа, что сразу превращает иконописный вид Мадонны в портрет юной женщины эпохи Возрождения, исполненной тишины и грусти, что соответствует пустынной местности - озеро с едва зеленеющими склонами холмов, с тонкими деревцами без листвы еще, вдали заснеженные вершины гор. Ранняя весна. Это из детства художника. Это воспоминания о рано умершей матери. Это и икона, и портрет. Здесь весь Рафаэль, полное воплощение замысла и грация, только ему свойственная, как его характеру, так и его созданиям.
Грация - слово, которое ныне не несет в себе того сакрального значения, какое имело в Средние века и эпоху Возрождения, в отношении Рафаэля нам ничего не скажет, если не уяснить его значение в исторической перспективе. Вот что выяснили исследователи понятия «грация». В античности «gratia» означала не столько «привлекательность, прелесть, изящество», сколько «влияние, взаимосогласие, дружбу, благодарность, прощение, благосклонность, милость, благодеяние». В эпоху Возрождения «грация» обрела первоначальный смысл, как в античности, чисто эстетический, но с сохранением сакрального значения.
Теперь мы видим, чем овеяна «Мадонна Конестабиле», благой красотой юной матери и дитя и природы в целом. То, к чему постоянно стремились художники эпохи Возрождения, к синтезу христианства и язычества (античности), у Рафаэля не цель, а свойство души и характера, сущность его личности, что и есть у него грация. По сути, это преодоление христианства, снятие через античность, в чем и заключается сущность гуманизма и Ренессанса. Грация при этом у Рафаэля - основа и сущность его стиля, классического стиля как такового. С полной свободой композиционных решений всякий раз как бы само собой достигается архитектоническое равновесие и пластика в жестах и в выражении лиц персонажей.
Эстетика Рафаэля, ренессансная классика, проступает отчетливо уже в его ранних картинах. «Обручение Марии» (1504 г.) - картина удивительная, чисто внешне даже непонятная: что и где это происходит? Во всяком случае, отнюдь не в библейские времена. Само событие - обручение - не актуально, словно оно уже произошло, недаром юноша склонился и гнет или ломает о колено прут... Но что бы ни происходило на площади, храм-ротонда в вышине придает всему высокий сакральный смысл и целостность. Грация проступает в фигуре рослой девушки и в ее руке, поднятой навстречу руке мужчины с кольцом, что повторяется как некое действие в телодвижениях юноши.
Перед нами погружение в миф, соприкосновение с вечностью. И вместе с тем благодатная тишина высокого летнего дня. Сама жизнь в вечности.
Еще одна картина Рафаэля «Святое семейство» (1506 г.). В это время он жил во Флоренции, писал портреты, среди которых «Портрет беременной женщины» и «Немая», а также «Автопортрет» (1506 г.), «Портрет женщины с единорогом», «Портрет Анджело Дони», флорентийского купца, и «Портрет Маддалены Дони», супруги купца, - очевидно, молодого художника увлекает изучение натуры по примеру Леонардо да Винчи, - грация проступает лишь кое-где и отдаленно.
Даже «Мадонна на лугу» (1505 или 1506 г.), не заключая в себе ничего сакрального, кажется портретом молодой женщины, может быть, не матери, а кормилицы с двумя младенцами, в которых видят маленьких Христа и Иоанна Крестителя. Местность узнаваема - за лугом Тразименское озеро в окрестностях Пассиньяно, недалеко от Перуджи.
С конца 1508 года Рафаэль в Риме, где в это время Браманте и Микеланджело, словно сама судьба позаботилась о молодом художнике, чтобы он достиг вершин искусства, с изучением руин античности и опыта современной эпохи, то есть эпохи Возрождения в Италии в целом. Формируется, по сути, римская школа, а если взять шире, с именами Леонардо да Винчи, Андреа Палладио, Джорджоне, Веронезе, Тициана - итальянская школа, вершинное явление Высокого Ренессанса.
В работах по росписи Ватиканского дворца принимали участие многие художники со всей Италии. Но лишь Рафаэль и Микеланджело создали там целые миры.
В основных темах и композициях, в «историях», как говорил Вазари, какие слагал Рафаэль, как никто, фресок «Станца делла Сеньятура» перед нами воочию проступает миросозерцание эпохи с внесением в него идей ренессансного гуманизма и, разумеется, в русле его эстетики.
Рафаэль - придворный художник, и эта роль, похоже, его не тяготила, как роль придворного - его друга графа Кастильоне, ведь каждый из них был в своем роде идеальный художник или придворный, человек эпохи Возрождения. Известно, Рафаэль, в отличие от Микеланджело, одинокого гения по природе, впрочем, как и Леонардо, был приветлив и был всегда окружен учениками и друзьями, на улице его сопровождала, как князя, целая свита; в славе он превзошел своих знаменитых современников, а папа обещал ему красную шапку кардинала, не зная, как еще отличить его, и Рафаэля, похоже, не отвращала такая честь, если он уклонялся от женитьбы на племяннице одного из известнейших кардиналов. После смерти Браманте Рафаэль превращается в главного архитектора Собора святого Петра, увлекаясь строительством и отдельных дворцов. Он отдал девять лет работе над фресками, то есть монументальной живописи, а последние лет пять жизни архитектуре. Все это, вероятно, увлекало его, но сколько жемчужин станковой живописи так и не было им создано по наитию его гения! «Замысел, исполнение и восприятие картины «Сикстинская мадонна» (1513-1514 гг.) исключительны, и по этому поводу наговорено столько, что возникает желание заново взглянуть на создание художника, который творил свободно, непринужденно, в отличие от Леонардо и Микеланджело, его гениальных современников, отнюдь не думая о соперничестве. Он писал, можно сказать, как Бог на душу положит, спустя рукава, охотно отзываясь на все впечатления земного бытия.
Микеланджело
Микеланджело Буонарроти (Michelangelo Buonarroti; иначе - Микеланьоло ди Лодовико ди Лионардо ди Буонаррото Симони) (6.3.1475, Капрезе, ныне Капрезе-Микеланджело, Тоскана, - 18.2.1564, Рим), итальянский скульптор, живописец, архитектор и поэт. В произведениях Микеланджело, во многом определивших развитие европейского искусства как 16 в., так и последующих столетий, отразились с наибольшей силой не только глубоко человечные, полные героического пафоса идеалы Высокого Возрождения, но и трагическое ощущение кризиса гуманистического миропонимания, характерное для культуры Позднего Возрождения. Родился в семье подеста. Микеланджело учился у живописца Гирландайо (1488-89) и скульптора Бертольдо ди Джованни (1489-90), однако наибольшее значение для его творческого развития имели произведения Джотто, Донателло, Мазаччо, Якопо делла Кверча, а также античная пластика.
Уже в юношеских произведениях рельефы "Мадонна у лестницы", "Битва кентавров", оба мрамор (как и все последующие скульптурные произведения Микеланджело), около 1490-92, Каса Буонарроти, Флоренция вырисовываются главные черты творчества Микеланджело - монументальность, пластическая мощь и драматизм образов, благоговение перед красотой человека.
В Риме Микеланджело создаёт статую "Вакх" (1496-97, Национальный музей, Флоренция), отдавая своеобразную дань увлечению античными памятниками, и группу "Оплакивание Христа" (1498-1501, собор св. Петра, Рим), где вкладывает в традиционную готическую схему новое, гуманистическое содержание, выражающее скорбь молодой и прекрасной женщины о погибшем сыне.
В 1501 Микеланджело возвращается во Флоренцию и работает над произведениями, символизирующими доблесть граждан республики, сбросивших ярмо тирании Медичи. Колоссальная статуя Давида (1501-04, Галерея АХ, Флоренция) рождает представление о грозной силе (эту особенность работ Микеланджело современники называли terribilita), о героическом порыве, сдерживаемом могучим напряжением воли.
В картоне для росписи Палаццо Веккьо ("Битва при Кашине", 1504-1506, композиция Микеланджело известна по копиям). Микеланджело стремился показать готовность граждан встать на защиту республики.
В 1505 папа Юлий II призывает Микеланджело в Рим, где ему поручается создание надгробия папы; работы затянулись, проекты менялись, и сооружение (лишь фрагмент задуманного Микеланджело величественного скульптурно-архитектурного комплекса) было завершено только в 1545. Для надгробия Микеланджело создал ряд статуй, в том числе "Моисея" (1515-16, церковь Сан-Пьетро ин Винколи, Рим), ставшего центральным элементом последнего, осуществленного варианта. Моисей Микеланджело - титаническая личность, наделённая могучим темпераментом и столь же могучей волей; здесь Микеланджело впервые вводит в скульптуру временной аспект: при обходе статуи создаётся впечатление постепенно нарастающего движения фигуры, соответствующего росту напряжения образа. Также для надгробия предназначались две статуи рабов (т. н. "Восставший раб" и "Умирающий раб", обе - 1513-16, Лувр, Париж), задуманные как противопоставление прекрасного и сильного юноши, пытающегося разорвать путы, столь же прекрасному юноше, бессильно повисающему в них, и четыре статуи рабов, которые остались незавершёнными (около 1532-1534, Галерея АХ, Флоренция) и по которым хорошо виден процесс работы Микеланджело над изваянием; скульптор не обрабатывает блок равномерно со всех сторон, но как бы видя в ещё не отёсанном камне будущее произведение, углубляется в блок в одних местах, оставляя другие почти не обработанными. Такой метод работы практически исключает участие помощников.
Монументальные живописные циклы Микеланджело также выполнял почти без посторонней помощи; это относится и к самому грандиозному живописному произведению Микеланджело - росписям потолка Сикстинской капеллы Ватикана (1508-12). В сложной идейной программе плафона выделяются следующие темы: сцены из библейской книги Бытия, начиная с "Отделения света от тьмы" и кончая "Опьянением Ноя", пророки и сивиллы по боковым сторонам свода, наконец, в парусах свода, распалубках и люнетах - предки Христа и эпизоды из Библии (чудесные избавления иудеев). Архитектонические членения композиции плафона таковы, что достигается не только прекрасная обозримость каждой фигуры и сцены в отдельности, но и величественное декоративное единство всей гигантской росписи в целом; фрески воспринимаются как гимн физической и духовной красоте человека, как утверждение его безграничных творческих возможностей.
В 1520-х гг. мироощущение Микеланджело приобретает трагический оттенок. Главный труд этих лет - возведение и украшение статуями Новой сакристии церкви Сан-Лоренцо во Флоренции, усыпальницы рода Медичи (1520-34). Две статуи умерших герцогов лишены портретных черт: это идеальные образы, олицетворяющие активную и созерцательную жизнь. У их ног расположены попарно четыре статуи, изображающие времена суток, - символы быстротекущего времени. Как в тяжком раздумье Лоренцо и в бесцельном движении Джулиано, так и в угрюмом пафосе и неустойчивых позах лежащих фигур находит выражение глубокий пессимизм, охвативший Микеланджело перед лицом гибели свободы Италии (в процессе Итальянских войн 1494-1559) и кризиса ренессансных идеалов.
В Риме Микеланджело пишет огромную фреску "Страшный суд" на алтарной стене Сикстинской капеллы (1536-41); в этой композиции, заполненной лавиной сверхъестественно мощных нагих тел, центральное место занимает юный и героически прекрасный Христос - беспощадный судья над человечеством. Мучительным трагизмом веет и от фресок капеллы Паолина в Ватикане ("Распятие Петра" и "Обращение Павла", 1542-1550), отчасти предвосхищающих росписи барокко. До последних дней жизни Микеланджело занимался ваянием, однако "Оплакивание Христа", исполненное им для собственного надгробия, было им разбито (собрано и завершено учеником Микеланджело - Т. Кальканьи; до 1550-55, собор Санта-Мария дель Фьоре, Флоренция), а т. н. "Пьета Ронданини" (1555-64, Музей старинного искусства, Милан) осталась в стадии первоначальной обработки. В этих произведениях с особой силой отразились спиритуалистические настроения старого Микеланджело.
Но в поздний период Микеланджело занимают прежде всего не изобразительные виды искусства, а грандиозные строительные задачи. В архитектуре Микеланджело господствует пластическое начало; в создании динамических контрастов масс большую роль играют напряжённый, насыщенный светотенью рельеф стены, сильно выступающие пилястры, пластически выразительные наличники, "большой ордер". Постройки Микеланджело подготавливают почву для барокко, однако их величественная тектоничность остаётся чисто ренессансной чертой. С 1546 и до конца жизни главным трудом Микеланджело было возведение собора св. Петра и строительство ансамбля Капитолия в Риме - духовного и светского центров "вечного города" (обе работы завершены по планам Микеланджело после его смерти). По замыслу Микеланджело площадь Капитолия обрела трапециевидный план; она замыкается дворцом Консерваторов, симметрично фланкируется двумя дворцами по бокам, к открытой её стороне ведёт широкая лестница, а в центре возвышается античный конный монумент Марка Аврелия. В старости Микеланджело всё чаще обращался к поэзии. Лирика Микеланджело отличается глубиной мысли и высоким трагизмом; в ней Микеланджело рассказывал о любви, трактуемой как извечное стремление человека к красоте и гармонии, об одиночестве художника во враждебном мире, о горьких разочарованиях гуманиста при виде торжествующего насилия. Излюбленные стихотворные формы Микеланджело - мадригал и сонет; при жизни автора они не публиковались, хотя высоко ценились современниками (Б. Варки, Ф. Берни и др.). Первое издание "Стихотворений" Микеланджело было осуществлено в 1623.
Творчество Микеланджело явилось одним из факторов, стимулировавших развитие маньеризма, но, в отличие от маньеристов, односторонне понимавших его наследие, сам Микеланджело сумел до конца сохранить и выразить в своих произведениях любовь к человеку и веру в его величие и красоту.
Заключение.
Список использованной литературы:
1. Л.М.Брагина «Социально - этические взгляды итальянских гуманистов» (II половина XV века) Издательство МГУ, 1983 г.
2. П. П. Муратов «Образы Италии» М., «Республика» 1994
3. Культурология. История мировой культуры. Под редакцией профессора А.Н.Марковой. Москва, “Культура и спорт”. Издат. Объединение “ЮНИТИ”, 1995 г.
4. Культурология:Учебное пособие / Составитель и ответств. редактор А.А. Радугин. — М.: Центр, 2001
5. Лосев А.Ф. "Эстетика возрождения". - М, 1997
6. Гуревич П.С. Философия человека Ч.1– М: РАН, 2000
|
