Реферат
«Культура итальянского Возрождения»
Введение
В XIII веке в мировоззрении и мировосприятии итальянцев начались изменения, благодаря которым довольно скоро средневековье стало казаться чем-то чуждым, черным, а иногда и страшным. Само средневековье не было таким однородным темным пластом времени, как это представлялось людям эпохи Возрождения и как мы представляем его сегодня. Оно состояло из трех эпох, весьма сильно отличавшихся друг от друга: «темные века», когда на остывших руинах покончившей самоубийством Римской империи господствовало натуральное феодальное; высокая эпоха рыцарства, которая в конечном итоге бросила Европу на Восток, и, наконец, осень средневековья — время бюргерства, господства ремесленных и торговых городов, из которого и выросло Возрождение.
Люди эпохи Возрождения отреклись от предшествующей эпохи, представляя себя яркой вспышкой света среди вечной тьмы, несмотря на то, что почти всем, чем они располагали, они были обязаны именно средневековью. Этот эмоциональный всплеск отречения от прошлого был не чем иным, как попыткой определиться во времени и найти свое место. Возрождение чувствовало, что психологически оно не похоже на средневековье, как не могло быть похоже мировоззрение флорентийского буржуа XV века, владельца банка и мануфактур, на образ мыслей запертого в тесной полутемной лавке ремесленника-цеховика.
Возрождение провозгласило себя преемником античности, не являясь таковым на самом деле. Если средневековье выросло на остатках Рима, оставаясь носителем идеи универсальной монархии, и воспринимало античный мир как полузабытое языческое прошлое, то Ренессанс поднял знамя возрождения великих традиций Рима и Греции как форму отказа от средневековья. Это была попытка самоопределения, которая не имела ничего общего с подлинным изучением античного наследия. Люди Возрождения весьма смутно представляли себе эту давно ушедшую эпоху и не стремились как-либо расширить или систематизировать свои знания в этой области. Они, как дети выбирают игрушки в магазине, вытаскивали отдельные статуи, отдельные фрески, отдельные книги. Это была скорее некая игра, любопытство к чему-то, отличному от средневековья, чем серьезный интерес.
Ренессанс превратил Древний Рим в каменоломню в карьер для добычи мрамора, статуй и архитектурных элементов, которыми надлежало украсить прекрасные дворцы и соборы. Знаменитый архитектор Донато Браманте возводил новый Рим, нещадно уничтожая следы античности, за что даже среди современников получил прозвище Разрушитель. Только в 30-х годах XVI века, уже на закате Ренессанса, в Риме была образована Витрувианская академия, члены которой стали описывать и обмеривать уцелевшие античные сооружения. Причем делалось это не с целью их сохранения, а чтобы добыть материал для написания комментариев к сочинениям римского архитектора Витрувия. Более того, только отсутствие подходящих технических средств не позволили Папе Сиксту V в середине 80-х годов XVI века довершить дело своих предшественников и снести Колизей.
1.
Литература
Главной основой нового мировоззрения стал гуманизм (от латинского «гуманус» — человечный) — система взглядов, основой которой стала личность человека, его индивидуальность. Отныне краеугольным камнем мышления являлось светское свободомыслие и индивидуализм, торжество человеческого разума над верой.
Жизнь флорентийского поэта Данте Алигьери стала рубежом между средневековьем и Возрождением. Он был выходцем из знатной дворянской семьи Алигьери, принадлежал к партии гвельфов, активно занимался политикой и в 1300 году даже был избран приором. Однако во время переворота 1302 года вместе с другими гвельфами Данте изгнали из Флоренции, и он остаток жизни провел в изгнании.
Данте Алигьери посвятил большинство своих произведений Беатриче, женщине, которую он любил почти всю свою жизнь, вплоть до своей смерти, с тех пор как впервые увидел ее девятилетней девочкой. Она происходила из знатной флорентийской семьи, была замужем за Симоном де Берди и умерла 8 июня 1290 года в возрасте 24 лет. Данте записал хронику взаимоотношений с Беатриче в лирической прозе «Новая жизнь» (1293), где описал свои встречи с ней, ее красоту и душевные качества, а также день, когда он узнал о ее смерти. В последней главе Данте поклялся не писать больше ни строчки о Беатриче до тех пор, пока не создаст произведение, достойное ее памяти. Спустя много лет он выполнил свое обещание, увековечив ее в «Божественной комедии».
Автор «Божественной комедии», созданной в 1307 — 1309 годах, отказался от латыни и на родном тосканском наречии воспел муки ада, чистилище и блаженство рая. Это произведение стало основой всей национальной итальянской литературы и литературного языка. Средневековье мыслило четкими схемами, подтвержденными традицией, и ему был чужд эмоциональный шквал, который обрушил Данте на своих читателей. Уже во 2-й половине XIV века во Флорентийском университете была открыта специальная кафедра для толкования великого Данте.
В 1304 году в семье флорентийского нотариуса родился сын — Франческо Петрарка, которому по силе литературного дарования суждено было стать в один ряд с гением Данте. Спустя 7 лет семья перебралась в Пизу, где Петрарка смог лично познакомиться со своим великим соотечественником. В следующем 1312 году они переехали в Авиньон, где через 10 лет в церкви святой Клары Петрарка встретил Лауру и влюбился в нее до конца жизни. К тому времени Лаура была уже 2 года замужем за знатным авиньонским дворянином. Она скончалась в 1348 году, но вплоть до смерти поэта служила источником его вдохновения. Петрарка посвятил Лауре «Канцоньере»— книгу сонетов, воспевающих бессмертную любовь мужчины и женщины.
Образы Беатриче и Лауры в творчестве Данте и Петрарки, несомненно, имеют провансальские корни и восходят к куртуазной поэзии, воспевающей неземную любовь к замужней даме. Эти женщины были скорее музами, которые помогли поэтам достичь вершин любовной лирики, чем реальными объектами страсти. И у Данте, и у Петрарки были семьи и много детей. В своем творчестве оба поэта развивали идею чистой абсолютной любви, введенную в оборот Платоном. Тем не менее, они оба были земными людьми. Биографы сообщают, что Данте отличала ненасытная жажда славы, а эгоизм Петрарки поражал окружавших его людей.
Франческо Петрарка много времени отдавал изучению латинской литературы, он создал уникальное собрание классических римских текстов, равного которому не было. Он выучил греческий язык, но в конце концов отдал предпочтение римской культуре, несмотря на то, что она полностью была построена на эллинских заимствованиях. Написанные им философские трактаты свидетельствуют, что именно Франческо Петрарка был отцом итальянского гуманизма.
Еще при жизни Петрарка был удостоен всех возможных почестей — Римский сенат и Парижский университет увенчали его золотым поэтическим венком, Венецианская республика объявила его самым великим поэтом современности, а германский император возвел его в графское достоинство. Как Петрарку, так и Боккаччо обессмертили произведения, написанные на их родном языке, но общеевропейскую известность у современников они получили благодаря своим латиноязычным книгам. Франческо Петрарку ценили как автора произведений о римской литературе и истории, а Боккаччо почитали не как создателя «Декамерона», а как человека, написавшего моралистские трактаты «О злосчастиях знаменитых мужей» и «О славных женщинах». Истинное значение их творчества было по достоинству оценено только потомками.
Джованни Боккаччо, как и его предшественники в своем творчестве отдал дань образу прекрасной дамы. Его идеалом была принцесса Мария, побочная дочь короля Роберта Анжуйского, с которой он познакомился во время пребывания в Неаполе. Под именем Фьямметты Боккаччо изобразил ее в романах «Филоколо» (1336), «Фьямметта» (1341) и в поэме «Филострато» (1338). Вершиной творчества писателя стал сборник «Декамерон», состоящий из 100 романтических новелл, реалистично передающих жизнь итальянцев XIV века. «Декамерон», написанный во время страшной эпидемии чумы во Флоренции, стал гимном жизнеутверждающей силы человека. В этом произведении Боккаччо заложил основы свободной светской литературы.
2.
Искусство
Итальянцы не восприняли ломаный силуэт готического храма, так хорошо вписавшийся в природу и миросозерцание людей на севере от Альп, и создали свой собственный стиль архитектуры, основой которого стало соединение колонны с полукруглой аркой. Благодаря быстрому развитию математики стало возможным просчитать не только арочное перекрытие, но и громадные купола соборов, поднявшихся над итальянскими городами и ставших доминирующей частью их ландшафта. Стиль мастеров Возрождения столь сильно отличается от готической школы не потому, что люди вдруг научились «хорошо рисовать». Проблема намного сложнее. Люди средневековья просто не видели того, что стало доступно с началом Возрождения, и не чувствовали потребность писать как-то иначе, поскольку их психология была совершенно другой. Только коренные перемены мировоззрения и мироощущения явили миру ту внутреннюю потребность создавать такое искусство и духовную способность воспринимать подобные произведения. Если для средневекового иконописца само тело не имело никакого значения, поскольку он рассматривал его только как телесный носитель духа, то для художника Возрождения человеческие душа и тело слились воедино и стали неразделимы.
Поэтому наиболее революционные изменения произошли именно в живописи. Если в истории Европы уже были и купола, и обнаженные статуи, то преображения в живописи были уникальны. Впервые на картинах появился не просто задний план, а горизонт как символ бесконечности пространства. Теперь картина перестала быть «раскрашенным рельефом» и превратилась в окно, которое вело в другой мир, поражавший своей реальностью. Борьба между фреской и станковой масляной живописью завершилась полной победой последней. Сама фреска перестала быть плоской и наполнилась объемом, который расширял границы помещения до бесконечности. Наполненная красным, желтым и черным цветом плоскости и телесности палитра античности уступила место господству голубых и зеленых оттенков бескрайнего пространства. Этот переход полностью завершается у венецианцев Джорджоне и Тициана, после чего Великая художественная революция пожинает плоды своих побед вплоть до конца XIX века.
Архитектор Филиппе Брунеллески разработал математические законы линейной перспективы. Она была достаточно сложна, и часто художники раннего Возрождения заказывали архитекторам просчитывать, проектировать эскизы их картин. Масляные краски значительно упростили составление эскиза, поскольку появилась возможность вместо линейной перспективы использовать атмосферную. Пьеро делла Франческа первым использовал масляные краски для создания объемного изображения, и с тех пор глубина картины создавалась не графическими методами, а художественными.
После долгого перерыва в изобразительном искусстве, сначала в скульптуре, а затем и в живописи, вновь появляется обнаженная натура. Античный мир изображал исключительно обнаженное тело, наслаждаясь пропорциями и видя в нем только плоскость, украшенную развитой мускулатурой, которую голова венчала только потому, что она была частью этого тела. История довела творчество античных скульпторов до логического завершения, лишив их творения голов с ничего не выражавшими лицами-масками. Средневековье не интересовалось человеческим телом как таковым, считая его бренной материальной оболочкой. Ему были одинаково чужды как обнаженная натура, так и портрет. Искусство Возрождения занялось и тем, и другим, но в отличие от античности придало обнаженному телу совершенно другое значение.
Греческие скульпторы открыто, при свете дня изучали свои натуры на спортивных состязаниях, и их интересовала только игра мускулов под кожей натурщиков. Художники Возрождения тайно по ночам анатомировали выкраденные с кладбища трупы, стараясь найти в них остатки души. В своих занятиях анатомией Леонардо да Винчи руководствовался целью понять, как устроено человеческое тело, постичь его природу, иначе он не мог правильно изобразить его. Насколько статуи Микеланджело преисполнены эмоций, настолько полностью бездушна античная скульптура. Если Ренессанс выразил в камне квинтэссенцию своей мятежной исхлестанной эмоциями души, то античность оставила груду прекрасно выполненных каменных торсов, лишенных какой-либо мысли или побуждения.
Родиной итальянского Проторенессанса стала провинция Тоскана, где в середине XIII века начал работать сиенский скульптор Никколо Пизано. Около 1260 года он выполнил кафедру баптистерия в Пизе. В своих скульптурах Пизано использовал античные мотивы, что впервые стали Делать сицилийские мастера при дворе германского императора Фридриха II.
Основателем Флорентийской школы живописи считается живший во 2-й половине XIII века Джованни Чимабуэ, прошедший выучку у греческих иконописцев. Его картины еще лишены перспективы, фигуры плоские, но некоторые из них уже объединены общей композицией. Самым выдающимся учеником Чимабуэ был один из величайших художников Проторенессанса Джотто ди Бондоне. В молодости он был простым пастухом, но однажды Чимабуэ увидел его рисунки и забрал юношу к себе. Джотто смог почти полностью избавиться от влияния греков и первым в Италии начал писать портреты. Всю свою жизнь художник путешествовал, выполняя заказы в разных городах Италии. Наиболее знаменитой его работой стали росписи капеллы дель Арена в Падуе. В старости Джотто вернулся на родину, где проявил себя как выдающийся архитектор. Он руководил строительством знаменитого Флорентийского собора. Главной заслугой Джотто являлось то, что он смог вдохнуть жизнь в живопись и, отказавшись от каких-либо канонов, изображать реальных людей. В своих фресках Джотто первым применил перспективу, сделав изображение объемным. В течение века после его смерти во Флоренции не было столь талантливого живописца.
Сиена была давней соперницей Флоренции, и именно здесь родился младший современник Джотто художник Дуччо ди Буонинсенья. Однако вскоре Дуччо покинул родину и большую часть жизни провел во Флоренции. В отличие от Джотто Дуччо не порвал с греческой традицией и продолжал следовать византийским канонам. Вершиной его творчества стала алтарная картина «Маэста», посвященная Мадонне.
Учеником Дуччо был Симоне Мартини. В молодости он работал при дворе неаполитанского короля Робера Анжуйского, где испытал довольно сильное влияние французской готики. Мартини удалось отвергнуть греческие каноны и научиться мастерски использовать цвет. В середине XIV века он по приглашению Бенедикта XII расписывал папский дворец в Авиньоне. Так он познакомился с Петраркой и приобщил к итальянской манере письма многих западноевропейских художников. Среди его работ наиболее значительными считаются: картина «Благовещение» и фрески в палаццо Пубблико в Сиене.
Флорентийский скульптор Донателло был тем мастером, который положил начало кварточенто — эпохе раннего
Возрождения. Будучи близким другом архитектора Брунел-лески, он первым смог воплотить в камне утраченные идеалы античности. После тысячелетнего перерыва Донателло стал изображать обнаженную натуру, возродил законы пропорции и скульптурный портрет, начал отливать бронзовые статуи. Он смело порвал с готической традицией, согласно которой статуя должна была стоять в нише. Много времени Донателло отдал украшению Флорентийского собора, затем работал в Падуе, где создал знаменитый алтарь собора Сан Антонио. В 1447—1453 годах скульптор отлил бронзовую статую Гаттамелаты — первый конный памятник эпохи Возрождения. Выполненная в последние годы жизни бронзовая группа «Юдифь и Олоферн» стала символом торжества античных принципов скульптуры над готикой.
Когда Донателло уже был 14-летним юношей, во Флоренции родился художник, имя которого современники и потомки поставили в один ряд с великим Джотто. Несмотря на то, что Мазаччо не учился ни у Брунеллески, ни у Донателло, их творчество оказало самое глубокое влияние на живописца. Наиболее полно его талант раскрылся во фресковой живописи, где он использовал разработанный Брунеллески принцип линейной перспективы. Самой знаменитой его работой являются росписи капеллы Бранкаччи во Флоренции. В 1428году он уехал в Рим, где очень скоро был отравлен завистниками.
В середине XV века высокое искусство не было ограничено городскими стенами Флоренции, за ее пределами творили множество талантливых художников. Выучившись у флорентийцев, Пьеро делла Франческа работал в городах Центральной Италии. В отличие от своих учителей, работы которых строились в строгом соответствии с математическими законами линейной перспективы, Пьеро создавал иллюзию глубины при помощи умелого использования цвета и тени. Он первым в полную силу применил законы светотени в сочетании с правильно подобранными оттенками Цвета. С 1452 по 1466 год Пьеро делла Франческа работал над росписью капеллы в церкви Сан-Франческо в Ареццо. Эти фрески стали вершиной творческого гения художника. Наиболее знаменитыми из этих росписей стали: «Встреча Соломона с царицей Савской» и «Сон императора Константина».
В Венеции основоположником живописи раннего Возрождения стал художник Якопо Беллини. В юности он был учеником умбрийского художника Джеиле да Фабриано, писавшего в готическом стиле. Однако в 1423 году Якопо попал во Флоренцию, где испытал сильнейшее влияние творчества Донателло и Мазаччо. Через 5 лет Беллини вернулся в Венецию и быстро зарекомендовал себя как выдающийся живописец. Широкое использование золота в картине «Мадонна», созданной в 1438 году, свидетельствует о значительном влиянии византийского искусства. Наибольший интерес представляют рисунки Беллини, выполненные около 1450 года, два альбома которых находятся в Лувре и Британском музее.
Якопо Беллини стал основателем династии художников, из которых наиболее прославили свое имя его средний сын Джентиле и младший — Джованни. Джентиле Беллини известен своими портретами и многофигурными картинами, передающими жизнь Венеции. В 1479 году дож послал Джентиле в Константинополь в качестве придворного живописца султана Мехмеда II. Наиболее известной работой этого периода творчества художника является: «Портрет Магомета II» (1480) и «Портрет турецкого мальчика» (1479—1480). Стиль Джентиле испытывал сильное влияние турецкой миниатюры, что проявилось в его более поздних работах, например «Портрет дожа Джованни». Наиболее известными работами Джентиле Беллини являются большие полотна, изображающие сцены из жизни Венеции, написанные по заказу школы Сан Джованни Евангелиста «Процессия Святого Креста на площади святого Марка» (1496) и «Чудо Святого Креста» (1500).
Работы Джованни Беллини превратили Венецию в центр искусства Ренессанса, сравнимый с Флоренцией и Римом. Несмотря на то, что его самые знаменитые произведения, выполненные для зала Большого Совета в Венеции, погибли во время пожара в 1577 году, сохранилось большое количество принадлежащих ему алтарных росписей, например, в церкви Сан Джованни и Паоло. Джованни Беллини испытал на себе влияние живописца Пьеро делла Франческо, которое окончательно определило стиль его живописи. Как и флорентийский художник Мазаччо, Беллини является удивительным мастером светотени, его произведения отличаются удивительной насыщенностью колорита и поэтической тонкостью трактовки пейзажа. Младший Беллини создал собственную школу живописи и ему посчастливилось увидеть результаты своего труда. Среди его учеников были прославленные живописцы Джорджоне и Тициан.
Во 2-й половине XV века из Фландрии в Италию проник секрет изготовления масляных красок. До этого итальянцы писали темперой, то есть красками, где связующей эмульсией были натуральные вещества. Использование же масла открыло перед художниками намного более богатую палитру и неисчерпаемые возможности творчества. Именно это во многом объясняет тот взлет, который пережила итальянская живопись в эпоху Высокого Возрождения.
На протяжении всего XV века Флоренция по-прежнему оставалась центром итальянского искусства. Классическим примером этому служит творчество скульптора Андреа Верроккьо, который воспитал множество великих художников, в числе которых были Леонардо да Винчи и Пьетро Перуджино. Верроккьо почитал Донателло, но как ученик далеко превзошел своего учителя. Пиком его вдохновения стала бронзовая конная статуя кондотьера Бартоло Коллеони, установленная в Венеции (1479— 1488). Из живописных работ Верроккьо наиболее знаменито полотно «Крещение Христа» (около 1470), на котором фигура одного из ангелов принадлежит кисти молодого Леонардо да Винчи.
Закончив обучение у Верроккьо, Пьетро Перуджино основал собственную школу в родной Перуджии. Вскоре он стал одним из самых знаменитых итальянских художников и был приглашен Папой Сикстом IV для росписи Сикстинской капеллы. Среди принадлежащих его кисти шедевров наиболее значительны картина «Оплакивание Христа» и фреска «Передача ключей апостолу Петру».
Творчество флорентийца Сандро Боттичелли стало связующим звеном между ранним и Высоким Возрождением. В молодости он также посещал мастерскую Верроккьо. Если на протяжении всего XV века в Италии было принято изображать человеческую голову в профиль, то Боттичелли смело порвал с этой традицией и развернул персонажи своих картин лицом к зрителю. Вообще, этому художнику было свойственно ломать старые каноны и устоявшиеся нормы. Так он сознательно отвергал перспективу и писал в несколько архаичной манере, поскольку считал, что она является признаком индивидуализма. С 1481 года в течение нескольких лет по приглашению Сикста IV Боттичелли руководил росписью Сикстинской капеллы, а затем вернулся домой. Во время господства во Флоренции Савонаролы художник пережил глубокий душевный кризис и даже публично сжег несколько своих работ. В 1500 году Боттичелли не смог перенести появления новой плеяды художников и перестал писать. Он прожил еще десять лет, погруженный в глубокую депрессию из-за невозможности создать что-то новое, и умер в 1510 году, почти полностью забытый современниками. Среди достаточно большого творческого наследия Боттичелли, по достоинству оцененного потомками, особенно выделяются полотна: «Поклонение волхвов» (1475—1478), «Весна» (1477—1478), «Рождение Венеры» (1483—1484) и фрески «Сцены из жизни Моисея» в Сикстинской капелле (1481-1482).
Подлинный расцвет культуры итальянского Ренессанса пришелся на один из самых тяжелых и кровавых периодов истории страны. Именно смутная и кровавая 1-я половина XVI века стала эпохой Высокого Возрождения, временем, когда в Италии творили наиболее выдающиеся художники.
Личность Леонардо да Винчи, который еще при жизни стал загадкой для современников и потомков, сочетала в себе многочисленные дарования. Помимо того, что он был гениальным живописцем, Леонардо прославился как превосходный военный инженер и талантливый музыкант, а его записи свидетельствуют о глубоком знании механики, биологии и медицины. Среди его оставшихся невостребованными изобретений были велосипед, парашют, вертолет и прообраз танка.
После обучения у Верроккьо во Флоренции Леонардо да Винчи переехал в Милан ко двору Людовика Моро. В Милане он работал над гигантской конной статуей герцога Сфорца, которая так и осталась незаконченной, написал «Мадонну в гроте» и «Мадонну Литту». В это же время Леонардо создал знаменитую роспись «Тайную вечерю» в трапезной монастыря Санта Мария делла Грацие. После вторжения французской армии да Винчи покидает Милан и в качестве военного инженера поступает на службу к Чезаре Борджиа. Затем он вернулся во Флоренцию, где в 1503—1506 годах создал самую знаменитую свою картину — «Мону Лизу дель Джоконду», которая сегодня хранится в Лувре как самый драгоценный экспонат.
Покинув Флоренцию, он на некоторое время поселился в Милане, а затем перебирается в Рим ко двору Папы Льва Х-
Однако понтифик не уделил Леонардо да Винчи никакого внимания, отдавая предпочтение более молодым Рафаэлю и Микеланджело. Разочарованный художник написал свою последнюю картину — «Святой Иоанн Креститель», после чего в 1516 году принял приглашение короля Франциска I и навсегда переселился во Францию. Обосновавшись в подаренном ему королем замке Клу в Амбуазе на берегу реки Луара, Леонардо продолжал заниматься наукой, проектировал различные инженерные сооружения и систематизировал свои заметки, собираясь написать книгу. Здесь забытый на родине гений умер в 1519 году среди всеобщего почета и уважения французов.
Микеланджело Буонарроти в ранней молодости прибыл во Флоренцию и начал обучаться скульптуре. Очень скоро он был принят при дворе Лоренцо Великолепного и получил возможность изучать так называемые «Сады Медичей» — великолепное собрание античных статуй. Под влиянием этой коллекции в 1496 году он создал скульптурную группу «Вакх с сатиром», которая стала первым пластическим изображением античного божества мастером эпохи Возрождения. После кратковременного пребывания в Риме в 1501 году Микеланджело вернулся во Флоренцию и создал 5,5-метровую мраморную статую «Давид», которую восхищенные горожане установили на площади перед ратушей.
В 1505 году Папа Юлий II пригласил Микеланджело в Рим для сооружения своей гробницы. Еще в 1480 году римляне обнаружили сохранившиеся подвалы Золотого Дома императора Нерона, расписанные великолепными фресками. Теперь же Микеланджело возглавил раскопки руин античного Рима, целью которых был поиск греческих и римских статуй. Почти сразу же рабочие обнаружили ставшую знаменитой скульптурную группу «Лаокоон».
В 1508 году Юлий II приказал Микеланджело приостановить работу над гробницей и расписать плафон (потолок) Сикстинской капеллы. Несмотря на то, что скульптор Раньше не писал фрески, в течение 4 лет он создал не презоиденный шедевр, ставший подлинной жемчужиной Ваикана. Расписывая плафон, Микеланджело испортил себерение и сильно повредил фигуру. В 1516 году новый Папа Лев X направил «келанджело во Флоренцию, где скульптор проработал почти 20 лет. Он занимался строительством и отделкой фамильной усыпальницы Медичи, пристроенной к церкви Сан-Лоренцо. В 1534 году Микеланджело вернулся в Рим, разоренный вторжением 1527 года. По заказу Павла III он продолжил работы в Сикстинской капелле, создав на алтарной стене фреску «Страшный суд», которая была написана вместо сколотых росписей Перуджино. Закончив эту работу, Микеланджело возглавил строительство грандиозного собора святого Павла, который был еще 30 лет назад заложен архитектором Донате Браманте. Микеланджело Буонарроти умер, так и не закончив работу, которая была завершена только в 1590 году. После смерти скульптора 18 февраля 1564 года флорентийцы буквально выкрали из Рима тело своего великого соотечественника и с большими почестями похоронили его в родном городе в склепе церкви Санта Кроче.
Рафаэль Санти был одинаково чужд как научным поискам холодного да Винчи, так и творческим мукам бунтаря Микеланджело. Его уравновешенный гармоничный характер и гениальное дарование дали миру пример безмятежного светлого искусства. С 1500 по 1504 год он был учеником Пьетро Перуджино, после этого он несколько лет провел во Флоренции, наблюдая за работой Леонардо да Винчи и Микеланджело, набираясь опыта и вырабатывая собственный неповторимый стиль. Здесь он создал первые крупные полотна «Мадонна Грандука» и «Мадонна со щегленком», которые принесли молодому красавцу широкую известность, и в 1508 году по протекции итальянского архитектора До нато Браманте он прибыл в Рим.
Сразу по прибытии Папа Юлий II поручил Рафаэлю роспись своих личных покоев — станс. Великолепные росписи, получившие название «стансы Рафаэля» навсегда обессмертили имя художника. В течение 1508 —1517 годов он расписал 3 комнаты фресками, среди которых наиболее знамениты «Афинская школа», «Изгнание Илиодора» и «Пожар в Борго». Одновременно Рафаэль написал множество картин: «Мадонна Альба» (1511), «Мадонна ди Фолиньо» (1512), «Мадонна в кресле» (1514) и другие полотна. Вершиной его творчества стала «Сикстинская мадонна», над которой Рафаэль работал в течение 2 лет (1513 — 1514). После смерти своего родственника Браманте в 1514 году Папа поручил Рафаэлю руководство возведением собора святого Павла. Два года спустя художник был назначен смотрителем всех античных древностей Рима. Используя мотивы фресок, обнаруженных в «гротах» (так называли подвалы Золотого Дома Нерона), в 1518—1519 годах Рафаэль расписал лоджии папского дворца Бельведер, построенного Браманте. Эти росписи сохранились в истории как «лоджии Рафаэля». Почти сразу же после окончания работ в Бельведере Рим накрыла очередная волна эпидемии чумы. Среди ее многочисленных жертв оказался и Рафаэль Санти, который скончался 6 апреля 1520 года в возрасте 37 лет.
В Венеции в XV веке искусство Высокого Возрождения развивалось несколько по другим законам, чем в Риме. Если флорентийские художники создавали на полотнах резко очерченные гладкие поверхности, то венецианцы придумали технику видимого мазка. На их картинах можно было разглядеть отдельные мазки кисти, что свидетельствовало о совершенно новом восприятии живописи. Если ранее художники стремились копировать природу, то венецианцы начали создавать ее. Видимый мазок стал своего рода меткой, подобно печати Господа Бога, которая лежит на всех его созданиях.
Окончательно своеобразие венецианской школы живописи оформилось в творчестве Джорджоне. Он стал первым светским художником в Венеции, начав писать картины на мифологические и бытовые темы. Джорджоне смело изображал обнаженное тело, научился мастерски передавать настроение природы. Благодаря особому методу распределения красок и игры оттенков, его полотна кажутся заполненными воздухом и светом. Художнику было отпущено всего 10 лет плодотворной работы, за которые он успел создать множество шедевров, среди которых особенно выделяются: «Юдифь» (1500), «Гроза» (1506), «Спящая Венера» (1507) и «Сельский концерт» (1508). В 1510 году он погиб во время эпидемии чумы.
Джорджоне умер молодым, и его полностью затмила гремящая слава Тициана. Оба художника были почти ровесниками, но громкий успех Тициана Вечеллио, который прожил более 90 лет, затмил славу учителя, у которого он перенял столь много. Только в середине XIX века европейцы с удивлением «открыли» Джорджоне, остававшегося забытым на протяжении более 3 веков.
Сначала Тициан Вечеллио учился у братьев Беллини, а затем перешел в мастерскую Джорджоне. После его смерти Тициан выполнил заказ в Падуе — расписал церковь Скуола дель Санто, после чего вернулся домой. В 1516 году умер его первый учитель Джованни Беллини, и Тициан унаследовал его должность художника Венецианской республики. Долгое время он работал в жанре портрета, иногда «отвлекаясь» на мифологические сюжеты — непревзойденная «Лежащая Венера» (1538). В 1548 году император Карл V пригласил Тициана в Аугсбург, где мастер создал целую галерею великолепных портретов. Вернувшись домой, он окунулся в атмосферу усиления власти католичества и последние годы жизни писал преимущественно для церкви — «Кающаяся Магдалина» (1565), «Святой Себастьян» (1570).
|
